网上为你找到的 肯定对题啦，把下面内容好好看几遍大概理解就差不多了。艺术设计讲义
第一讲 艺术设计的定义
20世纪 美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。飞机、汽车、舰艇等
美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型
环绕我们生活的美也包括造物的美。造物世界是艺术设计的世界……
一、 艺术设计观念的历史发展
艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。
艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。
（一） 中国艺术设计观念的形成
1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。《老子》、《论语》、《大学》
2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。在我国器物制作史上产生了重大影响。1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。2、它包含着丰富的艺术设计观念。以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。木车的制作还要考虑到文化象征意义。
3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。
4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄器玩部》中的艺术设计观念。他把器物看做感情的寄托。他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。
（二） 西方艺术设计观念的
1、 古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。
2、 苏格拉底 产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。有害就丑。
3、 柏拉图 区分了绝对美和相对美。他称现实事物的美是相对美，而抽象形式如直线、圆平面和立体的美就是绝对美，是永远的美和为美而美的美。
4、 西塞罗继承了苏格拉底关于美取决于功用的观点，认为有用的事物就是美的事物，并把这种观点运用到动植物和艺术中。区分出有用的美和装饰的美。
5、 古罗马维特鲁威《建筑十书》论述了造物活动中没和功用的关系。提出了建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。形式美和功能美要保持某种平衡。
6、 奥古斯丁 区分出自在之美和自为之美。自在之美是是事物本身的美，自为之美是一个事物适宜其他事物的美，包含着效用和合目的性的因素。对艺术设计的启示是艺术设计都是有对象的设计，他应该针对消费者的实际需要。
7、 达芬奇 文艺复兴时期的设计的一些产品，体现出艺术和技术的内在的统一。
8、 18世纪西方美学家看到美和效用之间的联系。
9、 19世纪，随着艺术家对生产过程的介入，器物的设计和制作也被看作是一种艺术。
二、 设计活动中的艺术设计
设计作为一种人类有意义的活动，其含义是在正式做某项工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法图样等。
设计的两种表现形态：1 他只是生产过程的内部因素，没有从生产中脱离出来，产品的原型保留在生产这儿的头脑中，生产者也就是设计者。2 设计是相对独立的活动，生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。
设计和生产的关系：1 设计和生产相适应，他们是一种统一的行为 2 设计适应生产 3 设计独立于生产，但对生产的影响很小，4 设计独立于生产，并对生产产生重大影响，以至于生产服从于设计
艺术设计
三 艺术设计和自主创新
（一）艺术设计的复杂性和变易性
艺术设计的复杂性表现为，它具有多种类型和模式。类型的多样性，既取决于各国社会经济结构和工业发展水平的差异，又取决于艺术设计对象的差异。艺术设计活动的复杂性和综合性，决定了艺术设计理论的复杂性和综合性，涉及哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等领域。
艺术设计的变易性也很明显。最初它作为建筑的一部分，最有代表性的是“包豪斯”（意即“建筑之家”）的成立。后从欧洲移植到美国，20世纪30－40年代，独立于建筑而得到发展。美国的艺术设计主要是商业性艺术设计，以追求商业利润为目的。在风格上，它同式样主义处在密不可分的统一中，但游离于功能之外改变产品形式。50－60年代，德国乌尔木高等造型学校尖锐地批评了美国艺术设计的式样主义，使艺术设计摆脱式样主义。艺术设计逐步成为既不依赖建筑、又不依赖式样主义的一种独立的活动。
（二）艺术设计是企业集成创新的重要途径
2005年12月举行的中央经济工作会议指出：“要把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。” 自主创新有三种方式：原始创新，集成创新，引进消化吸收以后再创新。基于艺术设计的以上特点，我们认为，艺术设计是企业集成创新的重要途径。
艺术设计作为集成创新，有如下特点：
1．艺术设计具有原型或原生材料，也就是说，它具有供集成的客体。而供集成的客体，不仅可以是同一种类或者相近种类的物体和现象，而且可以是比较疏远的种类的物体和现象。不同领域的客体可以组合，甚至不是整个客体、而只是客体的一部分、或者作用原则、功能特征、知觉特征也可以集成为新的统一体。
2．艺术设计具有明确的目的性和强烈的功利性。发明与此不同，它往往是意想不到地产生的，或者是长期实验的结果。如：苏格兰人贝尔发明电话是原始创新，美国人德雷福斯设计了电话机的现代款式是集成创新。
3．艺术设计起着进步的加速器的作用，起着某种技术催化剂和社会催化剂的作用。它把科学家和发明家所获得的发现、规律、原则、材料用于具体的现实，使它们进入工业、技术和日常生活中。
4．艺术设计在集成创新时产生出质量效果。如：赋予产品以美和舒适的属性。第二讲 早期工业时期的艺术设计
艺术设计作为一种职业，产生于20世纪初期。英国人威廉莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱者。在19世纪末期发生的手工艺设计向工业艺术设计的过渡中，德国建筑家泽姆佩尔起到重要作用，德国艺术工业联盟则实现了这种过渡。受到德国艺术工业联盟的影响，英国和法国早期的艺术设计也得到发展。
罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义晚近的一代。
他提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。作品《建筑的七盏明灯》论述了建筑和装饰的设计原理，肯定“装饰是建筑的首要部分”，呼吁工业化的英国回到中世纪。
作为一位道德学家，罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资产阶级社会。
英国19世纪中期形成的两种审美思潮——道德主义和唯美主义中，罗斯金作为道德主义的代表，认为审美和伦理是同一的，强调美的道德性；要求艺术具有高尚的道德内容，认为作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义；丧失了美就同时意味着丧失了道德。罗斯金主张，倒退到手工生产中去。他并不反对技术本身，而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。基于这个原因，罗斯金严肃批评了当时著名的建筑“水晶宫”，认为它的固定，彻底破坏了自然景观。
罗斯金以文化学态度看待艺术现象，强调像阅读弥尔顿或但丁那样“阅读”过去时代的建筑。他在手工劳动中看到创造因素，并把这种劳动诗化。他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。
威廉莫里斯是罗斯金的观点的最早支持者之一。
关于19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落，莫里斯总结了两点：资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值，制造商由于采用机器，因而能够用同样的工时和成本生产多得多的廉价产品，导致产品艺术质量下降；追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工，丧失了劳动的创造性。他认为，每个历史时代艺术性质的决定因素是作为该时代基础的劳动的性质。
莫里斯把罗斯金的思想付诸了实践。莫里斯的结婚新居“红房子”力求接近中世纪后期的风格。如采用了某些哥特式细部――尖拱顶、高坡度屋顶等。“红房子”不仅影响了私人住宅的设计，而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。
莫里斯参与创办手工艺研究同业行会――英国最早的设计协会之一。他主张把手工生产和机器生产相对立，同时他对产品结构十分关注。
莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私人住宅和居住环境问题变成讨论的对象。他建议采用风格轻盈的室内装璜、明亮和色彩鲜明的墙纸、新的灯具和家具。1866年展出的“绿客厅”是未来室内装璜的实验设计，和“红房子”一样获得广泛的知名度。莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。
在艺术理论上，莫里斯重新评价装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。如果说罗斯金注意过去时代建筑的历史方面和艺术方面，莫里斯则把手工艺确定为艺术的基础。在他看来，其他各种造型艺术是从手工艺中产生和发展起来的。莫里斯认为，任何人都能够从事艺术创作，就像能说话一样，虽然造型艺术创作要求特殊的技能，要求学习艺术语言。所有的人都应该被吸引到艺术创造的活动中来。
在美学理论上，莫里斯主张，每一代人都把人类所积累的文化当作遗产来接受他们知觉美和在劳动中体现美的艺术才能差不多是相等的。而各代人之间的差异在于表现他们才能的形式。在中世纪很多人都从事艺术创作，因为他们生活在自然经济中，要为自己和周围的环境制造物品、建筑房屋。
新艺术运动“如同英国的艺术与手工艺运动一样，欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺与装饰艺术的优点。毫无疑问，艺术与手工艺运动在追求质量坚实可靠和形式简练朴素之外，还追求比新艺术运动更高的道德价值。艺术与手工艺运动代表一种为社会尽职的行为，而新艺术运动在本质上是为艺术而艺术。”
如果艺术与手工艺运动热衷于复兴中世纪艺术，新艺术运动从大自然中吸取创作灵感。他们以日常生活作为艺术的对象，观察自然中昆虫、植物、动物的外在形态，从中提取设计元素，发展曲线美的设计。
新艺术运动深受王尔德唯美主义美学的影响。唯美主义者按照“纯美”的原则安排生活，主张为了美的体验而对美进行体验。如：巴黎一个地铁入口采用金属铸造技术，模仿扭曲的树木枝干和蜿蜒的藤蔓，显得典雅而浪漫。二 德国艺术工业联盟
（一）泽姆佩尔
20世纪初，泽姆佩尔“对同样也重视物品纯粹目的的德国应用艺术运动有强烈的影
德国的泽姆佩尔在《科学，工业和艺术》一书中阐述了工业生产领域中艺术创作的衰落，主张通过改革艺术、研究和普及器物世界的美来改变现存状况。泽姆佩尔专门研究了科技进步成果和这些成果的审美利用之间的中间环节。他认为，这种中间环节就是形式，它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。器物形式既取决于它所由制作的材料，也取决于体现原初构思的手段，以及影响某些形式形成的生产因素。
《技术艺术和结构艺术中的风格，或实践美学》：研究了艺术中造型的历史规律，阐述了形式对功能、材料和制造工艺的依赖。泽姆佩尔的实践美学是19世纪中期欧洲文化的一部分，带有明显的实证主义色彩。借助风格的概念，泽姆佩尔指出了消融在艺术史中的原初形式和经常变化的象征形式之间的关系。而原初形式的决定因素有两点：一是器物的物质用途，二是器物制作所使用的材料。他的风格理论成为19世纪中期欧洲创立新建筑语言最有效的工具之一，这种语言的特征就是强调建筑基本结构符合社会任务的功能。
（二）德国艺术工业联盟
德国艺术工业联盟成立于1907年，它的成立和反对青春风格等艺术流派有关。
德国的青春风格与奥地利分离派的观点一致。青春风格源于希尔特于1896年1月1日在慕尼黑创办的《青春》杂志。该杂志声称“摆脱任何狭隘的观念，研究艺术问题和生活问题”。杂志封面饰以奇异的波形线条和花鸟图案，图案中间一些半裸的美女头发松散，姿态娇纵。杂志的波形装饰字体成为新风格的特征。
在青春风格和分离派的影响下，德国和奥地利的大量建筑都装饰了奇异的自然图案。这派艺术家制作的家具中，腿和靠背的线条明显弯曲，吊灯和台灯的金属部分和灯罩使人想起植物的图案。他们十分注意原材料的美，强调原材料加工的高超工艺，直接模仿自然界——大地、水、风、飞禽、走兽、植物的那些结构原则和形式原则。
在批评装饰和否定青春风格、分离派观点的背景中，为了讨论技术产品形式的审美本质和标准化对艺术发展的影响，德国一些建筑家、艺术家和工业家把艺术兴趣和研究对象相同的人联合起来，这种想法得到德国官方机构的支持，于是，德国艺术工业联盟成立。它是艺术和工业、艺术家和工业家的联盟，基本目的是追求产品的质量以及最好地体现这种质量的形式。
德国艺术工业联盟受到罗斯金和莫里斯的影响。其章程指出：“艺术工业联盟的目的是通过艺术、工业和手工艺的共同努力，提高工业产品的质量，并且宣传和全面地研究这个问题。艺术家、工业家、生产问题专家、以及‘候补会员’可以成为联盟的会员，整个团体和机构可以被接受为‘候补会员’。”艺术工业联盟首先在德国产生与当时德国产生了世界上第一批大型垄断组织有关。在垄断组织中，形成了艺术家和工业家的牢固联盟，展示艺术任务和生产任务新型的相互关系。由于许多著名企业家的加入，艺术工业联盟影响极大。它吸引了大批有才能的艺术家从事工业工作。
德国艺术工业联盟的颠峰之作是1927年在斯图加特举行的怀森霍夫住宅展览会，形成了新的住宅概念，从房屋到咖啡杯的一切物品，都处在统一的风格中。
德国艺术工业联盟公开追求商业目的，它的活动提高了工业产品的质量，增强了德国工业产品在世界市场上的竞争力。
三 英法早期的艺术设计
（一）英国早期的艺术设计
英国于1915年成立了艺术设计和工业协会。它的成员有艺术设计师、工业家和商人。它的工作包括举办展览，争取订货，制定艺术设计工作评价标准等。它编辑、出版有影响的报刊，这些报刊详细研究了英国艺术设计实践；组织讨论艺术设计和建筑著作的书评。
英国工业艺术家协会成立于1930年。最初是由若干艺术经理和所选举的委员会领导的团体。它的作用在于协调与客户和其他创作团体的联系，这些创作团体包括：英国皇家艺术协会、广告艺术家协会、国际艺术家协会、英国建筑家协会。它没有自己的杂志，在各种专门的和一般的艺术刊物上发表文章，阐述自己的立场。
英国20世纪上半叶最重要的艺术设计理论家里德，其代表作《艺术和工业》对英国艺术设计界当时最关心的艺术和工业的关系问题作出总结。
该书分为“问题的提出：历史方面和理论方面”，“形式”，“色彩和图案”以及“工业时代的艺术教育”四个部分。全书的主要观点为：（1）近百年来，人们一直试图赋予工业产品以审美外观。这通常会提高产品的造价，对劳动生产率产生负面影响。装饰成为一种奢侈。不应该使工业产品适应过去手工艺的审美标准，而应该制定符合现代生产方法的新的审美标准。（2）艺术在其历史发展中是完整的，但其具体形式不断变化。为了消除艺术和工业之间的矛盾，不仅要考虑到现代生产的要求，而且要理解艺术创作的本质。艺术赋予材料这样一种形式，它在情感上或理智上吸引人的注意，并激起人的感情。这表明艺术形式的作用具有普遍性。（3）新材料的运用，建筑的革命，交通和通讯的更新，这一切提出了生活环境改造的许多问题。生活环境应该具有统一的风格。有人也许会认为美和艺术完善的问题会花费过多的精力和时间。（4）能否以艺术创作的尺度看待工业产品？为了回答这个问题，里德主张把艺术分为两种：人的艺术和抽象艺术。在人的艺术中，人的意义占主导地位，艺术形式是理想和情感的传播者。在抽象艺术中，注意力不集中在理想上，而集中在形式上，形式直接诉诸人的审美体验。
（二）法国早期的艺术设计
法国20世纪前期艺术设计最重要的代表是柯布西埃，美学家苏里奥则是一位重要的艺术设计理论家。
柯布西埃出生于瑞士一个钟表雕刻工家庭，在法国接受过艺术教育。他把现代技术成就同形式和造型结合起来，在住宅和公共设施中展示了现代设计的各种可能性。自1917年起定居巴黎。1918年他和法国画家奥藏方一起制定了纯粹主义理论，试图把经济和机器时代的规则引人绘画，简化地勾画日常生活用品（多为家庭用具）的线条轮廓。他认为，人栖居的现代环境包括城市建设、建筑和产品世界。
在《城市建设》中，柯布西埃描绘了理想城市的图景。摩天大楼创造了垂直的城市，直指苍穹，阳光灿烂，空气充足。摩天大楼巨大的几何图形正面，全部用玻璃建造，大楼像水晶一样清澈透明。楼群的底部建造公园，使整个城市连成一个巨大的花园。柯布西埃把工业
化时代的住宅理解为现代城市总结构的基元。他为1925年巴黎世博会设计的“新精神”展馆，就是这种基元同等规模的模型。每一套公寓是一个立方体，660套公寓可以建在一起，形成一种社区。
柯布西埃的创作重新思考了结构功能因素在艺术形象设计创造中的作用，在许多方面决定了20世纪建筑和艺术设计的风格。他认为“现代装饰艺术没有装饰”，他把重点转椅到纯粹比例和简单几何图形的和谐上，制定了以人体比例为基础的各种尺寸和谐的系统，并在著作《人的三种规定》中对此作了论证。
苏里奥倡导理性主义美学，论证理性美。所谓论证理性美，就是寻求客观的、甚至国际上通行的美的技术形式。与当时非常流行的实验美学“自下而上地”寻找美的客观规律相反，苏里奥“自上而下地”从哲学上论证这些规律。他还把理性主义原则运用到艺术创作和趣味问题上，反对印象派观点，强调趣味判断中感情和理智的共同作用。
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工程总投资是指为工程项目建设并达到使用要求和生产条件，在建设期内预计或实际投入的总费用。
生产性的建设项目包括建设投资和铺底流动资金，非生产性的建设项目包括建设投资。
建设投资可以分为静态投资(工程费用、其他费、基本预备费)和动态投资(价差预备费、建设期利息)。扩展资料:
工程总投资费用组成:
建筑安装工程费由人工费、材料(设备)费、施工机具使用费、企业管理费利润、规费和税金组成。人工费包括：计时计件工资、奖金、津贴补贴、加班加点工资、特殊情况下支付的工资。材料费包括：材料原价、运杂费、运输损耗费、采购及保管费。施工机具使用费包括：施工机械使用费、仪器仪表使用费。机械费包括：
1、折旧费;2、大修理费;3、经常修理费;4、安拆费和场外运费;5、人工费;6、燃料动力费;7、税费。仪器仪表使用费：指工程施工所需使用的仪器仪表的摊销和维修费。企业管理费包括：管理人员工资、办公费、差旅交通费、固定资产使用费、工具器具使用费、劳动保险和职工福利费、劳动保护费、检验试验费、工会经费、职工教育经费、财产保险费、财务费(担保)、税金、城建税、教育费附加、地方教育费附加、其他。规费：社会保险费(养老、医疗、失业、工伤、生育)、住房公积金、工程排污费。税金：指的是增值税销项税额。一般计税方法增值税销项税额=税前造价10%(税前造价为人、料、机、管、利、规费之和，均不含增值税可抵扣进项税额)。简易计税方法增值税=税前造价×3%。参考资料来源:百度百科-工程造价
艺术景观雕塑工程的利润率是指在艺术景观雕塑工程中，利润与总成本之间的比例关系。利润率是一个衡量企业盈利能力的重要指标，反映了企业在生产经营过程中实现的利润水平。
艺术景观雕塑工程的利润率受到多个因素的影响。工程的规模和复杂程度会对利润率产生影响。规模较大、技术要求高、材料成本高的工程会有更高的利润率。人工成本和材料成本也是影响利润率的重要因素。人工成本占据了企业的主要成本，而材料成本也会直接影响到利润率。市场需求和竞争状况也会对利润率产生影响。如果市场需求较高，供不应求，企业可以通过提高价格来提升利润率；相反，如果市场竞争激烈，企业可能会降低价格以争取市场份额，这将影响利润率。
艺术景观雕塑工程的利润率是一个复杂的指标，受多个因素的综合影响。在实际运营过程中，企业需要综合考虑各种因素，合理控制成本、把握市场需求，以提高利润率。
艺术景观雕塑工程利润率是指从艺术景观雕塑项目中所获得的利润与投入成本的比率。这一指标是衡量企业在参与艺术景观雕塑工程时获得的经济回报的一个重要指标。
艺术景观雕塑工程的利润率受到多个因素的影响，包括项目规模、设计难度、施工工艺、材料费用、劳动力成本以及市场需求等。如果项目规模较大，设计难度较高，施工工艺复杂，那么项目的利润率可能会较高。如果项目所使用的材料费用较高，劳动力成本较低，并且市场对该项目的需求较高，也有利于提高利润率。
艺术景观雕塑工程的利润率通常在15%至30%之间，具体的利润率取决于项目的具体情况。在计算利润率时，需要将项目所获得的净利润除以总投入成本，然后乘以100%。如果一个艺术景观雕塑工程的净利润为100万元，总投入成本为500万元，那么利润率为(100/500)*100%=20%。
艺术景观雕塑工程的利润率并不是唯一的评判标准，还需要考虑其他因素，如项目的艺术性、品质和创新程度。在参与艺术景观雕塑工程时，不能仅仅追求利润率的高低，还应注重项目的质量和市场认可度。
我现在就是学园林艺术设计的。。我个人认为园林景观设计在未来发展潜力性很大。景观设计属于现代新兴的服务型行业，在室内设计越来越饱和的情况下，园林设计的发展道路却越来越有可发展性。人们在金钱大量提升的过程里，越来越追求和享受精神生活，因而对住房环境的要求也是极其讲究的。房地产的火爆带动了相关的职业，景观设计师尤为突出，高级景观设计师的年薪可达到20万—40万左右，大量房地产开发商和私人住宅业主在园林景观的设计上普遍要求提高，讲究内外一统，布局精美，从而由视觉直至精神层次的享受。但是中国城市化的快速发展过程中，中国在人居环境的建设和管理中，遇到了前所未有的危机和挑战，景观设计专业人才依然奇缺。由于景观设计专业长期包含在规划设计、建筑设计及园林设计等诸专业设计之中，从事景观设计专业的人员水平参差不齐，影响了景观建设的质量提升。从2006年至今2010年，我国园林景观设计行业净利润盈利水平走势逐年递增，我国华北、华中、华南、西南、东北地区园林景观行业需求量统计，人才数额也有上升趋势，因此园林景观设计行业未来发展还是很可观的。园林景观设计，学习的东西是大量可以多变式运用的，不一定非要在一个领域上发展，她可延伸至雕塑、植物设计等等........重要在于你的才思敏捷、头脑灵活和创造性思维。设计图纸不如包下整个工程来的挣钱，一个私人别墅的后花园设计，净利润可达几十万。 其实，任何行业都具有可发展性，关键在于你自己学的如何。。。加油哦
1、动画专业动画产业得到国家的大力扶持，国家发布了一系列鼓励动漫产业发展的政策。市场对将创意“产业化”及“市场化”的经营人才也非常欢迎，据调查，该专业就业率为85%-90%，薪资水平也很高。2、建筑设计专业
据统计，建筑设计师是100个最具前景的职业之一，年薪可以达到10万-40万左右。而中国的房地产虽然近几年呈低迷状态，但不可否认房地产在众多经济领域中，仍是一枝独秀。
想要设计出完美的建筑，没有好的美术基础绝对是寸步难行，尤其是现在随着人们审美的提高，对建筑的美感追求也会越来越高。甚至一部分高校的建筑设计专业都已经从理工科搬到了艺术科，所以说现在的建筑设计师已经是一个艺术性很强的职业了。3、景观设计专业
随着社会的发展，加上我国的城市建设和环境建设的高速推进，景观设计师的需求量也是日益增加。目前已有上万名设计人员从事这一工作，但我国毕业的景观设计专业的人才毕竟数量有限，所以这方面的人才目前还是供不应求，也就导致了景观设计专业在就业时绝对是很吃香的。
但是景观设计专业虽然吃香，年薪也不低，但是目前主要就业分布都是在大城市，尤其是以北上广一些发达城市居多，所以在毕业后选择发展城市时需要慎重考虑。4、室内设计专业
室内设计也是美术生选择的热门专业之一，这类专业的市场需求量大，尤为走俏，被业内人士亲切地称之为“金色灰领”。而且一个有能力的室内设计师的年薪都在20-30万元左右，又吃香又高薪。5、游戏原画设计专业
随着互联网的兴起，电脑游戏的需求量也是在日益增加。而游戏种类和数量的增加也使游戏原画设计专业或是美术特效、游戏美术类的专业都吃香的很。这类专业毕业后的美术生工作不仅高薪而且会在工作过程中发现很多乐趣。
下面是中达咨询给大家带来关于城市园林绿化工程中植物配置的艺术手法，以供参考。
随着环境建设的备受重视，各地园林绿化建设步伐的加快，很多好的园林建设已能将人与大自然很好地协调，将历史文化内涵再现出来，对园林设计的植物配置把握得恰到好处，园林绿化树种又因有神奇的千姿百态和绚丽的流光溢彩，在营造自然氛围、美饰环境空间方面演绎绿色的乐章。但是一些地方的园林建设也存在着效果不理想，有的植物配置不合理的现象；有的园林设计在实施过程中改得面目全非；有的建设成本和维护、管理费用高，与单位承受能力不相适应。将设计的思路、特色、功能，各项绿化指标，对中长期及四季观赏效果，树种配置的原则，建设成本及维护管理费用的计算，在树木的配置、植物与建设物的协调、各项园林功能等存在诸多问题。使游人身在深深地感受到环境的美好，心情舒畅。
一、植物配置的艺术手法
在园林空间中，无论是以植物为主景，或植物与其他园林要素共同构成主景，在植物种类的选择，数量的确定，位置的安排和方式的采取上都应强调主体，作到主次分明，以表现园林空间景观的特色和风格。
对比和衬托利用植物不同的形态特征，运用高低、姿态、叶形叶色、花形花色的对比手法，表现一定的艺术构思，衬托出美的植物景观。在树丛组合时，要注意相互间的协调，不宜将形态姿色差异很大的树种组合在一起。运用水平与垂直对比法、体形大小对比法和色彩与明暗对比法三种方法。
动势和均衡各种植物姿态不同，有的比较规整，如杜英；有的有一种动势，如松树。配置时，要讲求植物相互之间或植物与环境中其他要素之间的和谐协调；同时还要考虑植物在不同的生长阶段和季节的变化，不要因此产生不平衡的状况。
起伏和韵律韵律有两种，一种是“严格韵律”；另一种是“自由韵律”。道路两旁和狭长形地带的植物配置最容易体现出韵律感，要注意纵向的立体轮廓线和空间变换，做到高低搭配，有起有伏，产生节奏韵律，避免布局呆板。
层次和背景为克服景观的单调，宜以乔木、灌木、花卉、地被植物进行多层的配置。不同花色花期的植物相间分层配置，可以使植物景观丰富多彩。背景树一般宜高于前景树，栽植密度宜大，最好形成绿色屏障，色调家深，或与前景有较大的色调和色度上的差异，以加强衬托。
园林植物的配置包括两个方面：一方面是各种植物相互之间的配置，考虑植物种类的选择，树丛的组合，平面的构图、色彩、季相以及园林意境；另一方面是园林植物与其他园林要素相互之间的配置。
（一）植物种类的选择
植物具有生命，不同的园林植物具有不同的生态和形态特征。进行植物配置时，要因地制宜，因时制宜，使植物正常生长，充分发挥其观赏特性。
要根据当地的气候环境条件配植的树种，特别是在经济和技术条比较薄弱的发展新区，尤显重要。以我市地处亚热带为例，新近推荐使用的优良落叶树种，乔木类有无患子、栾树等。耐寒常绿树种，乔木类有山杜英等。如去年八月，我市各街道绿地出现了大片草坪“枯黄”。主要原因高羊茅属于冷季型草坪，不适应我市气候环境，到了八月气候温度达到38度，使高羊茅草坪难以生存，出现了大片草坪“枯黄”。
要根据当地的土壤环境条件配植的树种。杜鹃、茶花、红花继木等喜酸性土树种，适于PH值5.5至6.5含铁铝成分较多的土质。而黄杨、棕榈、桃叶珊瑚、夹竹桃、海桐、枸杞等喜碱性土树种，适于PH植7.5至8.5、含钙质较多的土质。
第三，要根据树种对太阳光照的需求强度，合理安排配植的用地及绿化使用场所。如江北公园改建工程中，原盆景园靠槐树路一带香樟密植，地坪难见阳光，采用了荫蔽性极强的桃叶珊瑚，种植后效果极佳。
第四，要根据环保的要求进行配植的树种。在众多的树木之中，有许多不光具有一般绿化、美化环境的作用，而且分别具有防风、固沙、防火、杀菌、隔音、吸滞粉尘、阻截有害气体和抗污染等保护和改善环境的作用。在城市园林、绿地、工矿区、居民区配置林木时，应该根据各个地区环境保护的实际需要，配置适宜的树木。在粉尘较多的工矿附近、道路两旁和人口稠密的居民区，应该多配置一些侧柏、桧柏、龙柏、青桐、槐树、悬铃木等易于吸带粉尘的树木；在排放有害气体的工业区特别是化工区，应该尽量多栽植一些能够吸收或抵抗有害气体能力较强的树木，如广玉兰、海桐、构树、棕榈等树木。
第五，要根据绿地性质进行配置。各街道绿地、庭园绿化中，根据绿地性质，规划设计时选择适当树种。如设计烈士陵园绿化，树木选择常绿树和柏类树，表示烈士英雄“坚强不屈”高尚品德。在幼儿园绿化设计，选择低矮和色彩丰富的树木，红花继木、金叶女贞、十大功劳由红、黄、绿三色组成，带来活泼气氛。还要考虑不能选择有刺、有毒的树木。如夹竹桃、构骨等树木。
（二）植物配置方式
自然式的树木配置方法，多选树形或树体部分美观或奇特的品种，以不规则的株行距配置成各种形式。
（1）孤植
单株树孤立种植，孤植树在园林中，一是作为园林中独立的庇荫树，也作观赏用。二是单纯为了构图艺术上需要。主要显示树木的个体美，常作为园林空间的主景。常用于大片草坪上、花坛中心、小庭院的一角与山石相互成景之处。
（2）丛植
一个树丛由三五株同种或异种树木至八九株树木不等距离的种植在一起成一整体，是园林中普遍应用的方式，可用作主景或配景用作背景或隔离措施。配置宜自然，符合艺术构图规律，务求既能表现植物的群体美，也能表现树种的个体美。
（3）群植
一两种乔木为主体，与数种乔木和灌木搭配，组成较大面积的树木群体。树木的数量较多，以表现群体为主，具有“成林”。
（4）带植
林带组合原则与树群一样，以带状形式栽种数量很多的各种乔木、灌木。多应用于街道、公路的两旁。如用作园林景物的背景或隔离措施，一般宜密植，形成树屏。
规则式配植
（1）行植：在规则式道路、广场上或围墙边沿，呈单行或多行的，株距与行距相等的种植方法，叫作行植。
（2）正方形栽植：按方格网在交叉点种植树木，株行距相等。
（3）三角形种植：株行距按等边或等腰三角形排列。
（4）长方形栽植：正方形栽植的一种变型，其特点为行距大于株距。
（5）环植：按一定株距把树木栽为圆环的一种方式，可有1个圆环、半个圆环或多重圆环。
（6）带状种植：用多行树木种植或带状，构成防护林带。一般采用大乔木与中、小乔木和灌木作带状配置。
二、植物配置的掌握要点
植物配置应注意植物高矮顺序与游人视线的关系；植物色彩美与季节的关系和颜色相配的协调性。经过我几年工作实践植物配置在不同地方应注意的掌握要点。
交通岛周边的植物配置宜增强导向作用，在行车视距范围内应采用通透式配置。绿岛上自然式配置树丛、孤植树，在开敞的绿化空间中，更能显示出树形自然形态，与道路绿化带形成不同的景观。导向岛绿地应配置地被植物。
广场绿化应配合广场的主要功能，使广场更好地发挥其作用。广场绿地布置和植物配置要考虑广场规模、空间尺度，使绿化更好地装饰、衬托广场，改善环境，利于游人活动与游憩。
道路绿化是城市绿地系统的重要组成部分，它可以体现一个城市的绿化风貌与景观特色。园林景观路的绿化用地较多，具有较好的绿化条件，应选择观赏价值高的植物，合理配置，以反映城市的绿化特点与绿化水平。园林景观路是道路绿化的重点，主干路是城市道路网的主体，贯穿于整个城市。主干路植物配置要考虑空间层次，色彩搭配，体现城市道路绿化特色。同一条路段上分布有多条绿带，各绿带的植物配置相互配合，使道路绿化有层次、有变化、景观丰富，也能较好地发挥绿化的隔离防护作用。分车绿带的植物配置应形式简洁，树形整齐，排列一致。
花坛布置应选用花期、花色、株型、株高整齐一致的花卉，配置协调。花坛、花境的设计应配置合理、主题突出具有独创性。
很多园林规划设计与园林工程建设都是同一单位或个人，为了能使设计方案被接受而在植物配置中不顾科学，一味地迎合领导的意图和为了推销利润高的树种或自己有的苗木而随意规划。我们这里很多单位及街道的绿化都中了这个圈套。到处都是雪松、广玉兰、桂花等少数常绿树木，花少，色暗，四季无变化，覆盖率低，且许多植株的规划密度过大，不利于植物生长，一定年限后相互拥挤，不是不易移植就是移植无地方栽，造成浪费。一些人不是充分发挥自己设计方面的才能，而是不顾科学规律，一味地追求经济效益和迎合领导的意图，或完全成为当官者思想的执行者，换一位领导换一种设计方案，有的设计初看确有可取之处，但实施起来又有困难，出现问题自己也难以解释清楚，最后或者要改变设计方案或是半途而废。这是不顾客观实际，盲目求新、求景点丰富，不考虑单位的承受能力，也不论植物配置是否真正合理。如花坛确实漂亮但与环境不一定协调，有的雕塑艺术性不强，费用高，或设计在某处的景点多年仍无定论，有的地方假山与周围环境不协调，或植物配置不当导致绿化覆盖率低或其他功能不能达到。所有这些如果在设计完成后及设计过程中充分考虑到各项绿化指标，分析论证，即可避免。实践证明，以什么树作主体，配置什么树都有讲究。我们见过用小叶黄杨作马尼拉草坪镶边最后全被吃掉，小叶女贞绿化草甲壳虫大暴发难以根除，红花酢浆草与樟树相互加重红蜘蛛的危害，一种树比另一种生长快最后另一种树被挤占，外来树种完全取代乡土树种等配置不当的现象。不同植物在一起要考虑相互间的生长速度、影响能力、阴阳性，观花、果、叶的树如何映树，病虫害的交叉性，同种树的连片与分隔的统一，病虫害防治的难易程度，耐湿耐旱性等都是选择树种的重要因素。乡土树种生命力、适应性强，能有效地防止病虫害大暴发，常绿与落叶树分隔能有效地阻止病虫害的蔓延，林下植草比单一林地或草地更能有效利用光能及保持水土。
要达到理想的效果，树种的配置来讲，一个优秀的景观作品必然是设计与施工密切配合的结果。从选苗到现场施工，设计师均须亲临指导。至于自然山水园的放样、施工，没有景观设计师的现场把关，更是难以达到预期效果。对于复杂地形的施工，现场出现问题的情况更是时有发生。置身于现场，景观设计师更容易把握与周围环境的关系，可以说，擅于处理现场是一个优秀景观设计师的基本素质之一。可是，不少景观设计师并不乐于下工地，至少是缺乏主动性，而越是施工水平差的队伍越少与设计人员沟通，最终的结果往往留下诸多遗憾。在配置中要充分考虑到各种的矛盾和优势，加以合理地搭配，使其达到理想效果，以便创造良好的景观。
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网上为你找到的 肯定对题啦，把下面内容好好看几遍大概理解就差不多了。艺术设计讲义
第一讲 艺术设计的定义
20世纪 美国设计师罗维创立艺术设计中的流线型风格。飞机、汽车、舰艇等
美国艺术设计师德雷福斯1937年设计的现代电话机原型
环绕我们生活的美也包括造物的美。造物世界是艺术设计的世界……
一、 艺术设计观念的历史发展
艺术设计（design），并不是对象的全部设计，而只是对象的艺术方面的设计。
艺术设计是现代工业批量生产的条件下，把产品的功能、使用时的舒适和外观的美有机地、和谐的结合起来的设计。作为一种职业，它在20世纪初期诞生和形成。其理论的基本问题是生产和艺术、效用和美的关系问题。
（一） 中国艺术设计观念的形成
1、春秋时代的文献中，有很多记载涉及到艺术设计的观念。《老子》、《论语》、《大学》
2、战国时期的《考工记》是我国第一部论述手工艺技术的著作，是我国古代技术史最重要的文献。在我国器物制作史上产生了重大影响。1、它总结了我国古代的器物制作经验，制定了器物制作的基本原则。2、它包含着丰富的艺术设计观念。以车为例，它关于车轮、车厢、车盖和其他部件的制作原则都充分体现了形式遵循功能的观念。车轮的制作要使使用者感到舒适，用现代术语说，要考虑到人体工程学因素。木车的制作还要考虑到文化象征意义。
3、明朝宋应星《天工开物》集中国传统文化和科学技术于一身，“天工开物”史“天然界靠人工技巧开发出有用之物”这四个字集中体现了中国传统的造物思想。
4清朝康熙年间李渔《闲情偶寄器玩部》中的艺术设计观念。他把器物看做感情的寄托。他善于通过排列布置，使无情之物变为有情之物。这样看待器物，就是造物在手而臻化境矣。
（二） 西方艺术设计观念的
1、 古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工业、农业、医药、骑射、烹调等。艺术和技术是不同的然而相互补充的活动。
2、 苏格拉底 产生了美和效用的关系问题，苏格拉底把美和效用联系起来，认为没必定是有用的，衡量美的标准就是效用，有用就美。有害就丑。
3、 柏拉图 区分了绝对美和相对美。他称现实事物的美是相对美，而抽象形式如直线、圆平面和立体的美就是绝对美，是永远的美和为美而美的美。
4、 西塞罗继承了苏格拉底关于美取决于功用的观点，认为有用的事物就是美的事物，并把这种观点运用到动植物和艺术中。区分出有用的美和装饰的美。
5、 古罗马维特鲁威《建筑十书》论述了造物活动中没和功用的关系。提出了建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。形式美和功能美要保持某种平衡。
6、 奥古斯丁 区分出自在之美和自为之美。自在之美是是事物本身的美，自为之美是一个事物适宜其他事物的美，包含着效用和合目的性的因素。对艺术设计的启示是艺术设计都是有对象的设计，他应该针对消费者的实际需要。
7、 达芬奇 文艺复兴时期的设计的一些产品，体现出艺术和技术的内在的统一。
8、 18世纪西方美学家看到美和效用之间的联系。
9、 19世纪，随着艺术家对生产过程的介入，器物的设计和制作也被看作是一种艺术。
二、 设计活动中的艺术设计
设计作为一种人类有意义的活动，其含义是在正式做某项工作之前，根据一定的目的要求，预先制定方法图样等。
设计的两种表现形态：1 他只是生产过程的内部因素，没有从生产中脱离出来，产品的原型保留在生产这儿的头脑中，生产者也就是设计者。2 设计是相对独立的活动，生产者根据设计师预先设计的图纸进行加工。
设计和生产的关系：1 设计和生产相适应，他们是一种统一的行为 2 设计适应生产 3 设计独立于生产，但对生产的影响很小，4 设计独立于生产，并对生产产生重大影响，以至于生产服从于设计
艺术设计
三 艺术设计和自主创新
（一）艺术设计的复杂性和变易性
艺术设计的复杂性表现为，它具有多种类型和模式。类型的多样性，既取决于各国社会经济结构和工业发展水平的差异，又取决于艺术设计对象的差异。艺术设计活动的复杂性和综合性，决定了艺术设计理论的复杂性和综合性，涉及哲学、社会学、美学、艺术学、经济学、文化学、人体工程学、工艺学等领域。
艺术设计的变易性也很明显。最初它作为建筑的一部分，最有代表性的是“包豪斯”（意即“建筑之家”）的成立。后从欧洲移植到美国，20世纪30－40年代，独立于建筑而得到发展。美国的艺术设计主要是商业性艺术设计，以追求商业利润为目的。在风格上，它同式样主义处在密不可分的统一中，但游离于功能之外改变产品形式。50－60年代，德国乌尔木高等造型学校尖锐地批评了美国艺术设计的式样主义，使艺术设计摆脱式样主义。艺术设计逐步成为既不依赖建筑、又不依赖式样主义的一种独立的活动。
（二）艺术设计是企业集成创新的重要途径
2005年12月举行的中央经济工作会议指出：“要把增强自主创新能力作为科学技术发展的战略基点和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。” 自主创新有三种方式：原始创新，集成创新，引进消化吸收以后再创新。基于艺术设计的以上特点，我们认为，艺术设计是企业集成创新的重要途径。
艺术设计作为集成创新，有如下特点：
1．艺术设计具有原型或原生材料，也就是说，它具有供集成的客体。而供集成的客体，不仅可以是同一种类或者相近种类的物体和现象，而且可以是比较疏远的种类的物体和现象。不同领域的客体可以组合，甚至不是整个客体、而只是客体的一部分、或者作用原则、功能特征、知觉特征也可以集成为新的统一体。
2．艺术设计具有明确的目的性和强烈的功利性。发明与此不同，它往往是意想不到地产生的，或者是长期实验的结果。如：苏格兰人贝尔发明电话是原始创新，美国人德雷福斯设计了电话机的现代款式是集成创新。
3．艺术设计起着进步的加速器的作用，起着某种技术催化剂和社会催化剂的作用。它把科学家和发明家所获得的发现、规律、原则、材料用于具体的现实，使它们进入工业、技术和日常生活中。
4．艺术设计在集成创新时产生出质量效果。如：赋予产品以美和舒适的属性。第二讲 早期工业时期的艺术设计
艺术设计作为一种职业，产生于20世纪初期。英国人威廉莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱者。在19世纪末期发生的手工艺设计向工业艺术设计的过渡中，德国建筑家泽姆佩尔起到重要作用，德国艺术工业联盟则实现了这种过渡。受到德国艺术工业联盟的影响，英国和法国早期的艺术设计也得到发展。
罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义晚近的一代。
他提倡复兴“富有创造精神的”中世纪手工艺。作品《建筑的七盏明灯》论述了建筑和装饰的设计原理，肯定“装饰是建筑的首要部分”，呼吁工业化的英国回到中世纪。
作为一位道德学家，罗斯金关注艺术和技术相互作用的伦理方面，从道德主义立场批判资产阶级社会。
英国19世纪中期形成的两种审美思潮——道德主义和唯美主义中，罗斯金作为道德主义的代表，认为审美和伦理是同一的，强调美的道德性；要求艺术具有高尚的道德内容，认为作品的艺术价值直接依赖于它所体现的思想的意义；丧失了美就同时意味着丧失了道德。罗斯金主张，倒退到手工生产中去。他并不反对技术本身，而是反对伴随技术所产生的资源严重消耗和自然环境的破坏。基于这个原因，罗斯金严肃批评了当时著名的建筑“水晶宫”，认为它的固定，彻底破坏了自然景观。
罗斯金以文化学态度看待艺术现象，强调像阅读弥尔顿或但丁那样“阅读”过去时代的建筑。他在手工劳动中看到创造因素，并把这种劳动诗化。他是第一个始终不渝地把艺术、劳动和道德因素联成整体的人。
威廉莫里斯是罗斯金的观点的最早支持者之一。
关于19世纪下半叶建筑和实用艺术发生衰落，莫里斯总结了两点：资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值，制造商由于采用机器，因而能够用同样的工时和成本生产多得多的廉价产品，导致产品艺术质量下降；追逐利润的物质生产的增长导致劳动分工，丧失了劳动的创造性。他认为，每个历史时代艺术性质的决定因素是作为该时代基础的劳动的性质。
莫里斯把罗斯金的思想付诸了实践。莫里斯的结婚新居“红房子”力求接近中世纪后期的风格。如采用了某些哥特式细部――尖拱顶、高坡度屋顶等。“红房子”不仅影响了私人住宅的设计，而且成为对人栖居的环境进行整体安排的范例。
莫里斯参与创办手工艺研究同业行会――英国最早的设计协会之一。他主张把手工生产和机器生产相对立，同时他对产品结构十分关注。
莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私人住宅和居住环境问题变成讨论的对象。他建议采用风格轻盈的室内装璜、明亮和色彩鲜明的墙纸、新的灯具和家具。1866年展出的“绿客厅”是未来室内装璜的实验设计，和“红房子”一样获得广泛的知名度。莫里斯以此表明艺术家参与环境设计的可能性。
在艺术理论上，莫里斯重新评价装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。如果说罗斯金注意过去时代建筑的历史方面和艺术方面，莫里斯则把手工艺确定为艺术的基础。在他看来，其他各种造型艺术是从手工艺中产生和发展起来的。莫里斯认为，任何人都能够从事艺术创作，就像能说话一样，虽然造型艺术创作要求特殊的技能，要求学习艺术语言。所有的人都应该被吸引到艺术创造的活动中来。
在美学理论上，莫里斯主张，每一代人都把人类所积累的文化当作遗产来接受他们知觉美和在劳动中体现美的艺术才能差不多是相等的。而各代人之间的差异在于表现他们才能的形式。在中世纪很多人都从事艺术创作，因为他们生活在自然经济中，要为自己和周围的环境制造物品、建筑房屋。
新艺术运动“如同英国的艺术与手工艺运动一样，欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺与装饰艺术的优点。毫无疑问，艺术与手工艺运动在追求质量坚实可靠和形式简练朴素之外，还追求比新艺术运动更高的道德价值。艺术与手工艺运动代表一种为社会尽职的行为，而新艺术运动在本质上是为艺术而艺术。”
如果艺术与手工艺运动热衷于复兴中世纪艺术，新艺术运动从大自然中吸取创作灵感。他们以日常生活作为艺术的对象，观察自然中昆虫、植物、动物的外在形态，从中提取设计元素，发展曲线美的设计。
新艺术运动深受王尔德唯美主义美学的影响。唯美主义者按照“纯美”的原则安排生活，主张为了美的体验而对美进行体验。如：巴黎一个地铁入口采用金属铸造技术，模仿扭曲的树木枝干和蜿蜒的藤蔓，显得典雅而浪漫。二 德国艺术工业联盟
（一）泽姆佩尔
20世纪初，泽姆佩尔“对同样也重视物品纯粹目的的德国应用艺术运动有强烈的影
德国的泽姆佩尔在《科学，工业和艺术》一书中阐述了工业生产领域中艺术创作的衰落，主张通过改革艺术、研究和普及器物世界的美来改变现存状况。泽姆佩尔专门研究了科技进步成果和这些成果的审美利用之间的中间环节。他认为，这种中间环节就是形式，它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。器物形式既取决于它所由制作的材料，也取决于体现原初构思的手段，以及影响某些形式形成的生产因素。
《技术艺术和结构艺术中的风格，或实践美学》：研究了艺术中造型的历史规律，阐述了形式对功能、材料和制造工艺的依赖。泽姆佩尔的实践美学是19世纪中期欧洲文化的一部分，带有明显的实证主义色彩。借助风格的概念，泽姆佩尔指出了消融在艺术史中的原初形式和经常变化的象征形式之间的关系。而原初形式的决定因素有两点：一是器物的物质用途，二是器物制作所使用的材料。他的风格理论成为19世纪中期欧洲创立新建筑语言最有效的工具之一，这种语言的特征就是强调建筑基本结构符合社会任务的功能。
（二）德国艺术工业联盟
德国艺术工业联盟成立于1907年，它的成立和反对青春风格等艺术流派有关。
德国的青春风格与奥地利分离派的观点一致。青春风格源于希尔特于1896年1月1日在慕尼黑创办的《青春》杂志。该杂志声称“摆脱任何狭隘的观念，研究艺术问题和生活问题”。杂志封面饰以奇异的波形线条和花鸟图案，图案中间一些半裸的美女头发松散，姿态娇纵。杂志的波形装饰字体成为新风格的特征。
在青春风格和分离派的影响下，德国和奥地利的大量建筑都装饰了奇异的自然图案。这派艺术家制作的家具中，腿和靠背的线条明显弯曲，吊灯和台灯的金属部分和灯罩使人想起植物的图案。他们十分注意原材料的美，强调原材料加工的高超工艺，直接模仿自然界——大地、水、风、飞禽、走兽、植物的那些结构原则和形式原则。
在批评装饰和否定青春风格、分离派观点的背景中，为了讨论技术产品形式的审美本质和标准化对艺术发展的影响，德国一些建筑家、艺术家和工业家把艺术兴趣和研究对象相同的人联合起来，这种想法得到德国官方机构的支持，于是，德国艺术工业联盟成立。它是艺术和工业、艺术家和工业家的联盟，基本目的是追求产品的质量以及最好地体现这种质量的形式。
德国艺术工业联盟受到罗斯金和莫里斯的影响。其章程指出：“艺术工业联盟的目的是通过艺术、工业和手工艺的共同努力，提高工业产品的质量，并且宣传和全面地研究这个问题。艺术家、工业家、生产问题专家、以及‘候补会员’可以成为联盟的会员，整个团体和机构可以被接受为‘候补会员’。”艺术工业联盟首先在德国产生与当时德国产生了世界上第一批大型垄断组织有关。在垄断组织中，形成了艺术家和工业家的牢固联盟，展示艺术任务和生产任务新型的相互关系。由于许多著名企业家的加入，艺术工业联盟影响极大。它吸引了大批有才能的艺术家从事工业工作。
德国艺术工业联盟的颠峰之作是1927年在斯图加特举行的怀森霍夫住宅展览会，形成了新的住宅概念，从房屋到咖啡杯的一切物品，都处在统一的风格中。
德国艺术工业联盟公开追求商业目的，它的活动提高了工业产品的质量，增强了德国工业产品在世界市场上的竞争力。
三 英法早期的艺术设计
（一）英国早期的艺术设计
英国于1915年成立了艺术设计和工业协会。它的成员有艺术设计师、工业家和商人。它的工作包括举办展览，争取订货，制定艺术设计工作评价标准等。它编辑、出版有影响的报刊，这些报刊详细研究了英国艺术设计实践；组织讨论艺术设计和建筑著作的书评。
英国工业艺术家协会成立于1930年。最初是由若干艺术经理和所选举的委员会领导的团体。它的作用在于协调与客户和其他创作团体的联系，这些创作团体包括：英国皇家艺术协会、广告艺术家协会、国际艺术家协会、英国建筑家协会。它没有自己的杂志，在各种专门的和一般的艺术刊物上发表文章，阐述自己的立场。
英国20世纪上半叶最重要的艺术设计理论家里德，其代表作《艺术和工业》对英国艺术设计界当时最关心的艺术和工业的关系问题作出总结。
该书分为“问题的提出：历史方面和理论方面”，“形式”，“色彩和图案”以及“工业时代的艺术教育”四个部分。全书的主要观点为：（1）近百年来，人们一直试图赋予工业产品以审美外观。这通常会提高产品的造价，对劳动生产率产生负面影响。装饰成为一种奢侈。不应该使工业产品适应过去手工艺的审美标准，而应该制定符合现代生产方法的新的审美标准。（2）艺术在其历史发展中是完整的，但其具体形式不断变化。为了消除艺术和工业之间的矛盾，不仅要考虑到现代生产的要求，而且要理解艺术创作的本质。艺术赋予材料这样一种形式，它在情感上或理智上吸引人的注意，并激起人的感情。这表明艺术形式的作用具有普遍性。（3）新材料的运用，建筑的革命，交通和通讯的更新，这一切提出了生活环境改造的许多问题。生活环境应该具有统一的风格。有人也许会认为美和艺术完善的问题会花费过多的精力和时间。（4）能否以艺术创作的尺度看待工业产品？为了回答这个问题，里德主张把艺术分为两种：人的艺术和抽象艺术。在人的艺术中，人的意义占主导地位，艺术形式是理想和情感的传播者。在抽象艺术中，注意力不集中在理想上，而集中在形式上，形式直接诉诸人的审美体验。
（二）法国早期的艺术设计
法国20世纪前期艺术设计最重要的代表是柯布西埃，美学家苏里奥则是一位重要的艺术设计理论家。
柯布西埃出生于瑞士一个钟表雕刻工家庭，在法国接受过艺术教育。他把现代技术成就同形式和造型结合起来，在住宅和公共设施中展示了现代设计的各种可能性。自1917年起定居巴黎。1918年他和法国画家奥藏方一起制定了纯粹主义理论，试图把经济和机器时代的规则引人绘画，简化地勾画日常生活用品（多为家庭用具）的线条轮廓。他认为，人栖居的现代环境包括城市建设、建筑和产品世界。
在《城市建设》中，柯布西埃描绘了理想城市的图景。摩天大楼创造了垂直的城市，直指苍穹，阳光灿烂，空气充足。摩天大楼巨大的几何图形正面，全部用玻璃建造，大楼像水晶一样清澈透明。楼群的底部建造公园，使整个城市连成一个巨大的花园。柯布西埃把工业
化时代的住宅理解为现代城市总结构的基元。他为1925年巴黎世博会设计的“新精神”展馆，就是这种基元同等规模的模型。每一套公寓是一个立方体，660套公寓可以建在一起，形成一种社区。
柯布西埃的创作重新思考了结构功能因素在艺术形象设计创造中的作用，在许多方面决定了20世纪建筑和艺术设计的风格。他认为“现代装饰艺术没有装饰”，他把重点转椅到纯粹比例和简单几何图形的和谐上，制定了以人体比例为基础的各种尺寸和谐的系统，并在著作《人的三种规定》中对此作了论证。
苏里奥倡导理性主义美学，论证理性美。所谓论证理性美，就是寻求客观的、甚至国际上通行的美的技术形式。与当时非常流行的实验美学“自下而上地”寻找美的客观规律相反，苏里奥“自上而下地”从哲学上论证这些规律。他还把理性主义原则运用到艺术创作和趣味问题上，反对印象派观点，强调趣味判断中感情和理智的共同作用。