中国传统雕塑：在博物馆玻璃柜外，它真实的生意与焦虑
导读：2026年的文博圈，大家在社交平台上聊“中国传统雕塑”，往往停在“好美”“好震撼”这一层。而我所在的位置，恰好在这些情绪的背后。我叫顾青岚，是一家文博文创公司的内容与项目策划
2026年的文博圈，大家在社交平台上聊“中国传统雕塑”，往往停在“好美”“好震撼”这一层。而我所在的位置，恰好在这些情绪的背后。 我叫顾青岚，是一家文博文创公司的内容与项目策划，日常工作，就是在甲方（博物馆、美术馆、城市文旅）和乙方（设计公司、IP方、平台）之间，为一尊尊中国传统雕塑找“新出路”。从选题、展陈策划，到文创开发、线上运营，我都要参与。也正因为这几年跑项目、做方案、谈合作，我看到的传统雕塑，跟游客眼里的那种“静静躺在展柜里”的感觉，完全不一样。 这篇文章想聊的，是三件事： 中国传统雕塑现在真实的处境到底怎样； 哪些看起来“花里胡哨”的新玩法，其实正在保护它； 如果你是普通观众或从业者，怎么避免被噱头带偏，真正看懂一件雕塑的价值。 我会尽量少讲空话，把这两年项目里遇到的数据和案例掰开给你看。 很多人以为传统雕塑只属于博物馆和寺庙，其实近几年，它已经被推到了流量的中心。 根据中国文物学会和多地文旅部门在2025年底发布的文旅年报，2024—2025年间，全国重点文博场馆里与“雕塑”“造像”“石刻”相关的专题展览数量，比2019年增长了约40%，其中超过一半会配合短视频、直播等线上传播。到了2026年一季度，文化和旅游部公布的国内旅游数据里，带有“博物馆”“文博打卡”标签的旅游订单，占比已经接近总订单的18%左右，其中不少就是冲着“看大佛”“看造像”去的。 但从内部视角看，这股热度并不直接等于“传统雕塑活得很好”。 我接触的几个项目里，雕塑类展览的预算结构非常典型： 这不是谁“坏”，而是现实：甲方要“可见的效果”和“可被拍出来的东西”，预算自然向“好看、好传播”倾斜。中国传统雕塑在这样的结构里，既得到关注，又被挤压成了“视觉背景”。 你在社交媒体上刷到的“震撼千年大佛”“国宝级石刻展”，背后往往是这样一套优先级： 先考虑打卡点位、互动装置、灯光效果，再讨论文案写多少，至于真正严肃的形制分析、造像系统、工艺细节，有时只剩下展签那几十个字。 如果你对中国传统雕塑真的有兴趣，认清这一点很重要： 你看到的一场“爆款展”，可能是观众体验与学术深度之间的一次艰难平衡，而不是“对传统百分百的致敬”。 在行业会议里，“数字化”已经被说得有点虚了，但它对中国传统雕塑确实是个转折点。 2025年，国家文物局在文物数字化工作进展通报中提到，全国重点文物单位中已有超过60%的石窟、石刻、雕塑类文物完成了不同程度的三维扫描、高清建模。有些集中的试点，比如敦煌、龙门、云冈，三维数据的分辨率已经精细到可以清晰呈现刻刀的走向、修补痕迹。2026年进入新一轮项目评审，很多省级馆的重点申报方向，都是“雕塑类文物数字化采集与沉浸式应用”。 从我在项目组里的感受，这股“数字国潮”有两个容易被误读的地方： 一方面，它在传播层面的效果被明显高估。 另一方面，数字化对“老手艺”的倒逼，被严重低估。 这两年我去过几家传统雕塑修复和复制的工作室，团队平均年龄在35岁上下，已经摆脱了“全是老匠人”的印象，但他们普遍有一个感受： 3D扫描、CNC粗加工之后，真正决定成败的，仍是后面那一层手工——微调比例、修理不合理的线条、处理表面肌理、做旧、加色……机器可以把“形”打个八九成，气韵却完全靠人的经验补足。 很多高校和培训机构从2024年开始，把“数字建模+传统雕塑工艺”打包成新专业，2025年招生规模明显放大，2026年已经有一批学生进到工作室实习。对行业而言，这是一个好信号： 会用ZBrush、Maya搭造像结构，同时又愿意练黏土和石刻的人，在项目招投标中的竞争力越来越高。 如果你从业，别怕数字化会“抢饭碗”，更现实的情况是： 只会软件、不会手工的，做不出有灵魂的传统雕塑； 只会手工、对数字化完全排斥的，也会被项目的效率和预算挤到角落。 真正被需求的是那种知道如何把传统造像体系、时代风格、工艺逻辑，嫁接到数字工作流上的复合型人才。 在策划案里，我们经常被要求“降低门槛，让观众轻松感受传统之美”。这个诉求没有问题，但从我的观察，很多观众其实并不满足于“好看就完了”，只不过不知道从哪里开始“看懂”。 中国传统雕塑的门道极多，体系也复杂，未必要一下子吃透。 我在展厅里观察和跟观众聊天，总结出几种比较友好的入门路径，分享给你： 看“时代脸” 不同朝代的佛像、菩萨像、造像群，整体气质差异很大： 你在展厅里，只要对比一下不同时期的脸型和体态，就会发现时间在雕塑上的“纹路”。 看“身体语言” 别只盯着面部，很多信息藏在姿态里。 站立像的重心偏哪一条腿，坐像是瞻视还是俯视，手印（手势）是施无畏、与愿、说法还是禅定，这些都有明确的传统语汇。 很多场馆现在会在展签或导览中做简要说明，扫一眼就能增加观感层次。 看“伤痕”和“补丁” 中国传统雕塑很少完好无缺，缺手、缺指、断发、落彩，是常态。 2024—2026年，多家博物馆在修复说明中开始公开“修复前后对比照片”和“修复原则”，你会看到： 当你开始留意这些“疤痕”，雕塑突然就从“艺术品”变回“生命体”，它经历过迁移、战乱、风化、粗糙的修补，也经历过温柔而冷静的现代修复。 看“它现在被怎样对待” 这也是我在工作中越来越在意的一点。 同样是中国传统雕塑，有的被放在主展厅中心，配精准灯光和多语言导览； 有的被塞在角落，展签简陋，连基本信息都缺失。 这种“对待方式”，往往反映的是一个机构的价值判断，也折射了背后预算、认知和人力的分配。 当你注意这些，你的观看，就不再是被动接受，而是带着一点温度的判断。 身在文创公司，我最常被质疑的一句话是：“你们是不是在消费中国传统雕塑？” 坦白说，这个问题我自己也常常反复追问。 从数据来看，2024—2025年博物馆文创市场规模继续上升，多个公开报告的估算区间大致在300亿—350亿元之间，其中与传统造像、雕塑元素相关的产品占比不算最高，却是增速较快的一类，包括佛像形象IP化、石刻纹样再设计、雕塑局部拟人化等。 2026年上半年，多家电商平台的文博主题销售数据显示，“国潮雕塑摆件”“佛像艺术周边”这一类关键词的搜索量同比又增长了一截。 真正的问题不是“能不能开发”，而是： 在开发过程中，这些雕塑被怎样转译、被“剪掉”了什么。 我给你看一个典型的内部博弈场景： 在这种拉扯下，真正负责任的做法，通常是几步： 很多观众其实是愿意理解边界的，只要我们解释得诚恳，而不是只强调“好看、限量、快抢”。 这几年做下来，我越来越清楚一个底线： 任何以中国传统雕塑为原型的商业开发，都应该保留一条清晰的“回路”，能把人带回到原作和它所在的文化语境里。 如果你在选购这类产品，可以有几个小小的自我提示： 当消费行为和理解行为有一部分重叠，文创就不再是单向度的“收割流量”。 站在行业内部往外看，我能感觉到一种微妙的紧张感： 中国传统雕塑被前所未有地频繁提起、被搬上各种屏幕，同时也被更频繁地被改写、简化、再造。 它既被拥抱，也被消耗。 2026年，不论你是内容从业者、设计师、策展人，还是只是偶尔去博物馆走一圈的普通人，其实都已经参与在这场“重写雕塑命运”的过程里。 如果你在业内，我真心想说几句同行式的提醒： 如果你是观众，你的每一次停留、每一次转发，其实都在悄悄改变行业的指标。 当“展签讲清楚来历”比“打卡滤镜好看”更容易获得认可，当“原作信息”比“周边好不好卖”更被追问，甲方和我们这些乙方，都会更愿意调高对内容的要求。 中国传统雕塑从来不只是一块石头、一尊泥像。它背后有工匠的手，有时代的审美，有宗教、政治、经济的合力，也有今天我们如何对待它的方式。 在2026年的此刻，它既是文旅政策、商业模式和技术手段的交汇点，也是每一个观众目光的集合。 如果这篇文章能让你在下一次走进博物馆时，多停留十秒，看清一尊雕塑脸上的光影、身上的伤痕，顺带读完那块不太起眼的展签，那么它已经完成了我作为从业者的一点点心愿： 让中国传统雕塑，在玻璃柜外，也有机会被真正看见。
